Candide ou L’Optimisme de Voltaire, adaptation – mise en scène de Thomas Moshopoulos, Théâtre « Porta »

Le conte philosophique de Voltaire, publié en 1759 et révisé en 1761, démontre que le monde va mal et qu’il pourrait aller mieux, si l’on commençait par dire moins de bêtises. En attendant, mieux vaut rire que pleurer, tout en cultivant notre jardin. Candide conjugue la philosophie et le comique.

Le destin mouvementé de Candide et des autres personnages contredit la théorie philosophique de l’optimisme, selon laquelle tout est pour le mieux dans le meilleur des mondes possibles, mais sans la détruire tout à fait, puisque la plupart des personnages finissent par se retrouver près de Constantinople, pour cultiver sagement leur jardin en renonçant à la métaphysique.

Thomas Moshopoulos propose une adaptation théâtrale du conte tout en créant des dialogues qui communiquent le message philosophique sans perdre la vivacité du langage parlé. Il garde intact l’esprit de l’écrivain et souligne la critique caustique en insistant sur la dimension comique de l’œuvre. Le metteur en scène propose un spectacle qui clarifie les notions philosophiques sans alourdir l’humeur du spectateur, en revanche une ambiance joyeuse domine l’espace et s’incline vers le divertissement. Le décor d’Evangelia Thérianou et les costumes de Clare Bracewel renvoient à l’époque des Lumières et rappellent à travers la métonymie les données historiques du conte. L’esthétique de la mise en scène est soutenue par les chorégraphies de Sophia Pashou et les lumières de Sophia Alexiadou.

Les comédiens Michalis Syriopoulos, Hélène Vlachou, Irène Boudalis, Efsthathie Tsapareli, Manos Galanis, Pantelis Vassilopoulos, Foivos Siméonidis, Vassilis Koulakiotis et Dimitris Fourlis interprètent avec enthousiasme tous les personnages de l’intrigue. Toute la troupe joue les rôles avec la fougue des petits enfants qui racontent une histoire à ne pas manquer !

Nektarios-Georgios Konstantinidis

Théâtre « Porta », 59 Avenue Messogeion, Athènes, tél. 0030 210 771 1333

La Réunification des deux Corées de Joël Pommerat, mise en scène Nikos Mastorakis, spectacle en grec, traduction Marianna Kalbari

La Réunification des deux Corées de Joël Pommerat, mise en scène Nikos Mastorakis, spectacle en grec, traduction Marianna Kalbari

La pièce La Réunification des deux Corées (écrite en 2013) est composée de vingt instantanés, vingt moments en guise d’épisodes autonomes, qui gardent toutefois une espèce d’interdépendance assurant l’unité interne de l’œuvre. Joël Pommerat tisse la fable de chaque instantané en partant du personnel pour arriver aux grandeurs du général œcuménique. Il s’agit d’un écrivain qui avance dans la dramatisation de ses personnages à pas lents mais décidés. Tout en révélant les éléments constitutifs de ses instantanés théâtraux, l’auteur place son public face à de multiples problématiques concernant la vie intérieure du mortel. La rhétorique de Joël Pommerat n’insiste pas sur l’argument posé. Il nous incite plutôt à trouver la solution convenable à commencer par le principe de la raison. Ensuite, l’auteur nous conduit aux principes de l’imagination et, dernièrement, il nous amène dans le cadre du faisable.

Joël Pommerat met l’accent sur le manque d’affection dans la vie des gens qui ne communiquent pas bien qu’ils se rencontrent éventuellement tous les jours. L’auteur français avance très loin dans le psychisme de l’homme ordinaire qui s’oblige à suivre l’habitude devenant d’ailleurs sa seconde nature. L’auteur entreprend de bafouer l’habitude et cherche ainsi à rétablir la notion de la particularité, de la chose donc différente à travers laquelle l’homme peut se sentir libéré et intègre. Joël Pommerat provoque la conscience de l’homme et exerce sur l’existence même sa critique dépourvue de tout faste provenant du bavardage. En peu d’espace de logos, il étend un vaste « territoire » des notions et des concepts.   

Le théâtre de Pommerat favorise de façon continue la mise en scène par le biais d’un tribunal. Ses personnages portent dans leurs profondeurs la particularité qui enfonce l’impossible : le rêve d’un rapprochement devient de plus en plus utopique. Alors il faut porter plainte… Le théâtre de Pommerat se transforme soit en ring où deux parties se battent, soit en tribunal où celui qui gagne ce sera celui qui présentera l’argumentation la plus avantageuse. Cependant, tout est possible et baigne dans l’incertitude due au doute.  

Le spectacle qu’a crée Nikos Mastorakis est une révélation pour les spectateurs grecs. La construction scénique – un labyrinthe métallique – fonctionne symboliquement. Le metteur en scène insiste avec hardiesse sur la question du doute qui ressemble à une sorte d’essence vénéneuse distillée doucement et dont l’efficacité est sûre. Au fond, il y a toujours le manque : manque d’amour, manque de justice, manque de sincérité, manque d’héroïsme et ainsi de suite.

Les comédiens Gerasimos Genatas, Cléon Grigoriadis, Ioanna Mavrea, Loukia Michalopoulou, Konstantina Takalou, Théodora Tzimou et Thanos Tokakis incarnent les personnages tout en soulignant les nuances sentimentales. Chacun d’eux se manifeste dans les rôles, qui lui sont confié, avec beaucoup d’ardeur tout en défendant sa propre personnalité d’acteur.

À ne pas manquer !

Nektarios-Georgios Konstantinidis

Théâtre Technis « Karolos Koun »

5, rue Pesmazoglou, Athènes, 0030 210 32 28 706

Le Funambule de Jean Genet, mise en scène Zoi Manda, spectacle en grec, traduction Michele Valley, Zoi Manda

     

Les pièces de Jean Genet (1910 – 1986) présentent une poétique à portée sociale : son expérience de la condition pénitentiaire, de la prostitution, du racisme (contre les Noirs, les femmes, les colons). Ces créations artistiques sont « un peu politiques », d’après l’écrivain, « dans ce sens où elles abordent la politique obliquement. Ainsi, « aborder les situations sociales qui provoquent une politique » tel est la dynamique de son théâtre. Par la suite, c’est le théoricien de l’art et l’homme d’action dans un mouvement purement révolutionnaire qui nous communique ses découvertes au niveau artistique, humain, social et politique.

     Le Funambule, publié pour la première fois en 1958, nous fait découvrir l’artiste avec ses déchirements, son ascèse dans sa marche vers la perfection. « Quatre heures à Chatila », article écrit après les massacres de Chatila en 1982, laisse apparaître son nouveau langage, celui de l’engagement politique où la révolte, la passion, la mort et la régénération se rencontrent et s’associent.

      Dix ans avant 1968 et la révolution estudiantine en France, celle de Prague et d’autres mouvements libérateurs partout dans le monde, Jean Genet définit le rôle de l’artiste dans ses écrits : L’atelier de Giacometti, Ce qui est resté d’un Rembrandt déchiré et Le Funambule. Il est fasciné par ces arts de l’espace, sculpture, peinture, funambulisme qui donnent forme à l’informe et tentent de visualiser l’image intérieure s’éloignant des faux-semblants, des manifestations visibles. Le funambule permet à l’écrivain de donner une réalité sensible à ce qui n’était qu’absence. Il arrive même à la transcendance, puisque sur le fil, l’artiste danse pour Dieu, qui n’est que la somme de toutes ses possibilités.

      Jean Genet, à l’aide de mots, élabore le statut d’artiste, androgyne, être parfait tantôt dominé, tantôt dominant « gibier et chasseur » à la fois. L’artiste travaille dans une solitude mortelle qui cache sa blessure secrète. Le funambule, au costume rouge et doré, au maquillage excessif, représente le Monstre, figure singulière du cirque, remontée des époques diluviennes. Le danseur sur la corde suit une étape initiatique dans la solitude exempté de toute prétention. Ce rite de passage lui permettra d’accéder à une contrée fabuleuse. Le funambule incarne pour Genet l’acteur parfait, une « surmarionette », qu’il voulait pour le spectacle explosif dont il rêvait.

      L’idée de l’artiste solitaire et maudit n’est pas nouvelle. Baudelaire, Rimbaud, Nerval l’ont exprimée. Ce qui est nouveau dans la création de Genet, c’est que le funambule se cache dans le déshérité, la clocharde, pour rendre plus extraordinaire sa métamorphose en artiste étincelant. Cette Figure représente toute l’humanité : dominants, dominés et exclus.

       Le spectacle que propose Zoi Manda se construit à des matérielles élémentaires et essentielles qui renforcent la dynamique du discours : la corporalité et le dessein – symbole. La ligne – corde, signe des oppositions traitées dans le texte, domine à la scénographie, grâce à la technologie (projection vidéo) qui contribue à la création d’un « dialogue » avec les corps des acteurs. La mise en scène partage le texte en deux comédiens, un homme (Lefteris Papakostas) et une femme (Vallia Papachristou) qui incarnent la personnalité de l’artiste en tant que idée ou idéologie. D’ailleurs, le décor (semé de figures géométriques) facilite l’expression corporelle qui souligne la trajectoire des instantanés. L’espace et la lumière « se transforment » continuellement pour tracer les lignes de démarcation d’un itinéraire qui jongle avec le réel et l’imaginaire, le vrai et le faux, le secret et le mensonge, la vie et la mort.

Nektarios-Georgios Konstantinidis

Théâtre Argo, « Small Argo full of Art », 15, rue Elefsinion, Metaxourghio, Athènes, tél. 0030 210 52 01 684

« 887 » de Robert Lepage

Robert Lepage est un homme du théâtre et du cinéma contemporain qui concentre en lui les fonctions d’animateur, de metteur en scène, de dramaturge et de comédien. L’on peut dire que Lepage se produit sur le plateau comme une machine spectaculaire dans le sens d’un créateur qui transforme le mot en image significative. En effet, l’artiste canadien « promulgue » ses propres lois de la scène, à commencer par la fonction de haute surveillance concernant le spectacle qui l’offre à son public. Robert Lepage s’avère un travailleur infatigable du théâtre qu’il connaît à fond ainsi qu’on a pu voir dans son dernier spectacle, au titre énigmatique « 887 », à Athènes. La scénographie grandiose se matérialise grâce à une maquette – installation qui donne au spectateur la possibilité de voir l’intérieur d’une maison. Toutefois, le décor concentre et combine les objets et les localités qui sont enrichis par les projections de vidéo. Ainsi, le langage du théâtre rencontre le langage filmique. Il est à noter que dans son solo multimédia performance, Lepage se présente comme un animateur qui s’engage à exécuter devant le public une partition particulièrement intéressante : Il se place dans une position d’un homme qui nous livre des détails de sa vie. De cette façon, l’artiste québécois pratique sur scène l’ « autofiction », selon ses propres mots. Par ailleurs, il exploite avec une extrême douceur les moments des expériences d’enfant tout en traversant les âges de sa vie jusqu’à présent. A l’aide de l’esthétique de la minuscule, Lepage se construit une ambiance faite de petites images censées présenter les macrostructures de son univers à lui. Les souvenirs de l’enfance, de l’adolescence, de l’âge adulte s’étalent généreusement comme des confessions sincères face au public. Le comédien part depuis une image minime et offre au public un grand spectacle dans lequel défilent des fastes inattendus, même si le discours est toujours attaché à l’esthétique de la parole simple et quotidienne. Ici, l’appui technologique y est pour quelque chose et surtout quand il faut que l’élément personnel rejoigne le cadre sociohistorique du pays de Lepage. Durant deux heures, la scène est occupée par un seul interlocuteur qui dévoile ses propres impressions, ses sentiments et ses souvenirs hantés par des moments de plaisir et des moments de détresse. En fin de compte, le monologue de Robert Lepage assure le passage de la réalité à la fiction imbue d’une autocritique pourvue d’éléments narcissistes. De même, l’artiste, dans un espace hors – scène, nous emmène à valoriser des moments de sa vie privée et sa décision de devenir comédien. Une confession de profundis ? Oui et non, cela dépend de point de vue de chacun.

Nektarios – Georgios Konstantinidis

Spectacle en français sous-titré en grec, Centre Culturel Onassis, 107 Sygrou Avenue, 24 – 27 Octobre 2017, 20 h 30

Ça ira (1) Fin de Louis de Joël Pommerat

   

      

     La pièce de Joël Pommerat, Ça ira (1) Fin de Louis (2015), est écrite dans le but, pensons-nous, de présenter certains détails dans les préparatifs de la Révolution française. En effet, toute la substance intellectuelle est cueillie dans le « discours » dominant de cette pièce frôlant le politique. Les faits qui jalonnent les étapes historiques de la pièce sont apocalyptiques, l’on dirait, de l’esprit qui anime le passage de l’histoire à la fiction. A vrai dire, rien ne paraît mythologique ou fantasmatique, les faits sont là, sur la table d’un chirurgien intelligent et curieux à l’extrême, se prêtant de faire l’anatomie de tous les instantanés qui forgèrent la philosophie des droits de l’homme et du citoyen. La Révolution française est un fait assez lointain quant à son envergure de réalité ébranlante « ici et maintenant ». Pourtant, le génie de Pommerat, auteur et metteur en scène à la fois, « manipule » avec beaucoup d’attention le matériel sur lequel est bâtie cette nouvelle vision du monde proclamée par la Révolution. Aussi, le petit peuple, formé de gens de tous les jours et de tous les métiers, c’est-à-dire le Tiers Etat, est présenté dans la pièce sous ses traits de protagoniste de cette époque tourmentée et incertaine. La volonté du peuple, mal guidé ou bien guidé, ne cesse de produire de nouvelles circonstances qui accusent l’assimilation, en effet, de toutes les leçons procurées par le siècle des Lumières. Les consciences étaient prêtes à changer la réalité, de plus en plus offensive à l’égard de la petite gente, en réalité révolutionnaire. Le peuple concrétise les propos de la rhétorique intellectuelle en la reconnaissant dans son application à la vie quotidienne.

     Les grands jours décisifs dans l’Histoire de la France, les bases de la constitution et la réaction du pays contre la tyrannie des Versailles offrent la possibilité de « colorer » avec ardeur les dessous, c’est-à-dire les choses invisibles, qui fondent, après tout, l’apparat philosophique et idéologique des faits majeurs de la Révolution.  

     Joël Pommerat, et c’est le mérite d’un auteur – metteur en scène flexible, transforme le réel historique en réalité universelle. Sa procédure s’appuie semblablement sur la neutralisation des événements provenant de l’Histoire, au profit de l’ontologie. Les exigences de tout homme civilisé, à la conscience politique forgée, au sein de l’égalité et de la liberté, conduisent au besoin impérieux de réviser les conditions de coexistence. Est-ce qu’on peut vraiment de nos jours coexister avec son voisin et prendre en plus plaisir de cette cohabitation ?

     La pièce et la mise en scène de Pommerat avancent jusqu’aux profondeurs de la question posée. Cela concerne plus que jamais notre vie quotidienne dans le monde entier. La Révolution française s’avère, grâce à la mise en scène de Pommerat, le guide œcuménique hic et nunc. Le public athénien, hautement politisé et connaisseur de l’Histoire de l’époque de Louis XVI, admirateur de l’esprit français, remplit complètement un grand amphithéâtre et applaudit avec enthousiasme et émotion la troupe parisienne. D’ailleurs, ces excellents comédiens se produisirent sur scène de manière à donner l’impression qu’ils oscillent entra la réalité de l’ambiance grecque et l’appareil fictionnel de la « mimésis d’une action ».

     L’on dirait, enfin, que l’auteur se partage entre deux options : faire vrai ou être vrai ? Comme metteur en scène, Joël Pommerat essaye d’établir l’équilibre entre les deux. Le climat théâtral de sa pièce est conduit par le souci de l’esthétique qui lui laisse la liberté de dépasser l’élément moderne. De surcroît, la mise en scène permet de valoriser l’élément méta – moderne produit à propos. Ainsi, les tableaux vivants sur la scène représentent sciemment les critères qui bâtissent les situations théâtrales en relation étroite avec l’appareil mimétique des Assemblés du peuple français : les comédiens s’entremêlent aux spectateurs. En outre, le gros fatras, produit des effets sonores ainsi que la fumée des cigarettes sur le plateau et un peu partout dans la salle renforcent à l’aide de l’éclairage la théâtralité incontestable du spectacle.     

Nektarios – Georgios Konstantinidis

Spectacle en français sous-titré en grec, Centre Culturel Onassis, 107 Sygrou Avenue, 4 – 8 Octobre 2017, 19 h 30 

Cyclope d’Euripide par le Théâtre « Neos Kosmos » – Festival d’Athènes et Epidaure 2017

       

Cyclope d’Euripide est l’unique drame satyrique conservé et trouvé à peu près intact selon les philologues. Il s’agit d’une pièce d’inspiration comique qui développe l’instantané de l’aveuglement du géant par Ulysse et ses compagnons lors de leur périple aventureux. Ulysse arrive affamé et malmené par la mer agitée et ennemie à son égard. Il se trouve à Aetna, le pays de Cyclope, et plus précisément, près de la caverne – habitation de Polyphème. Ce dernier s’apprête à avaler de la viande humaine, c’est-à-dire Ulysse et ses compagnons qui lui semblent comme une gourmandise inattendue. Pour se protéger, le général grec invente l’aveuglement de Cyclope au moyen d’une grosse branche d’arbre qu’il rend pointu.

       Le drame satyrique n’est ni tragique ni comique, chose qui ne donne pas beaucoup de liberté au metteur en scène. Au contraire, on a besoin d’un minimum d’équilibre pour garder intacte l’orientation de la pièce, selon les principes aristotéliciens.

       La représentation du Théâtre « Neos Kosmos » a su mener avec justesse, l’on pourrait dire, l’action du drame satyrique. La mise en scène de Pantelis Dentakis a mis l’accent sur le côté spectaculaire de la pièce et a évité ainsi les difficultés concernant l’esthétique du jeu. L’esthétique baigne ente le burlesque et le grotesque qui arrive à un moment à la limite du macabre. La présence des phallus et les paroles grossières renvoient au discours d’Aristophane. L’intrusion de la musique grecque populaire souligne, d’une façon discrète, un commentaire sur l’immigration. D’ailleurs, les costumes de Georgia Bourda portent à la lumière du jour les structures conceptuelles du drame satyrique et sauvegardent le principe d’équilibre qui concerne le genre précis. Dentakis renforce l’esprit magique de contes de fée et crée un univers des présences oniriques, propre à un récit destiné aux enfants.

       Il faut aussi souligner que le texte d’Euripide se complète par des extraits d’Odyssée d’Homère et des Idylles de Théocrite, traduits par Pantelis Boukalas. En somme, un spectacle qui propose des solutions concernant l’esthétique de la représentation du drame satyrique.       

Nektarios-Georgios Konstantinidis

Spectacle vu le 7 septembre au Théâtre Hérode atticus (en grec, sous-titré en anglais)

Perses d’Eschyle par l’Organisation Théâtrale de Chypre – Festival d’Athènes 2017

     

       Les Perses d’Eschyle est une tragédie historique, basée sur la bataille de Salamine et écrite quatre ans après la victoire des grecs. Pourtant, le poète tragique place l’action à Soussa, la capitale des Perses. Là, ce n’est pas le roi Xerxès qu’on attend mais c’est plutôt le fils Xerxès qu’on se prépare à recevoir : Atossa, la reine-mère attend son fils dans une grande intensité causée par le pressentiment de la défaite. Eschyle, dans cette tragédie, met surtout l’accent sur la sentimentalité et l’émotion jaillies de par la mise en place de la relation archétypique entre la mère et le fils.

     La représentation de la tragédie dans le théâtre ouvert Hérode atticus, aux pieds de l’Acropole, fut menée par Aris Biniaris, metteur en scène et musicien à la fois. Notons que Biniaris emploie ses deux fonctions dans le but de présenter au public un spectacle tout à fait particulier. En effet, il s’appuie sur la prosodie de la traduction de Panaghiotis Moullas qui garde la rime et souligne de cette façon la poéticité du texte. Le spectacle réunit harmonieusement les sons de la voix des comédiens qui débitent leurs paroles ainsi que les sons de deux tambours. Les instruments musicaux donnent le ton avec  efficacité au mouvement du corps des comédiens. Il faut souligner que cette jonction crée l’impression d’un vertige corporel qui fait référence aux danses orientales de Derviches. D’ailleurs, au moment crucial de l’appel du roi mort Darius, aussi bien Atossa que le Chœur se laisse aller à un rituel aux mouvements débridés, pathétiques et cruels dans sa conception. Aris Biniaris a su marier ensemble la musique et la parole et a obtenu un résultat extrêmement riche de connotations rythmiques et spectaculaires. Il a donc pu tirer un grand profit concernant l’esthétique du spectacle étant donné qu’il a transformé convenablement le mot en image. Par exemple, l’arrivée et l’exposition de Xerxès sur scène offre généreusement l’image intacte de la parole débitée par le Messager. C’est l’apogée de la notion du tragique et de la parole muée en image : Xerxès arrive humilié et dans la plus grande déchéance de ses habits de roi comme pour justifier les descriptions du Messager.

  Karyofyllia Karambeti n’a pas pu trouver le fil conducteur d’Atossa et s’est éloigné considérablement de l’archétype de la mère. La comédienne n’a pas pu garder l’ampleur du personnage qui se rétrécie d’une manière caractéristique. Charis Charalampous répond grosso modo aux exigences du rôle de Messager. De même, Nikos Psarras (Darius) et Antonis Myriagkos (Xerxès) défendent leur contribution avec aisance.

     L’Organisme Théâtral de Chypre, à travers cette tragédie d’Eschyle, a fait une production de haute qualité.

Nektarios-Georgios Konstantinidis

Spectacle vu le 30 août au Théâtre Hérode atticus (en grec, sous-titré en anglais)